Ausstellungen in Baden-Baden

Im Porsche Studio Baden-Baden dreht es sich um den renommierten New Yorker Celebrity-Fotografen Udo Spreitzenbarth. Das "Jubiläum" oder der feierliche Anlass im Sommer 2026 ist das 1-jährige Bestehen des Porsche Studios. Um dieses Jubiläum zu würdigen, wird dort vom 1. bis 29. August 2026 die exklusive Kunstausstellung „Between Light and Dark“ präsentiert, die cineastische Schwarz-Weiß-Fotografie mit der zeitlosen Designsprache von Porsche verbindet. Udo Spreitzenbarth ist ein visionärer Fotograf, die die Grenzen zwischen Modefotografie, Celebrity-Porträt und zeitgenössischer Kunst neu definiert hat. Geboren in Deutschland und seit Jahrzehnten in New York City ansässig, ist Udo Spreitzenbarth vor allem für seine ausdrucksstarken Schwarz-Weiß-Porträts, sein cineastisches Storytelling und seine intensive Auseinandersetzung mit Licht und Form bekannt. Für diese Ausstellung erweitert er seine Kunstserie „Between Light and Dark“ mit neuen, noch nie gezeigten Werken, inspiriert von der zeitlosen Faszination von Porsche. Die ikonische Porsche-Modelle sind dabei mehr als nur Motive – sie werden zu Symbolen für Sehnsucht, Individualität und zeitloser Schönheit. Sie fügen sich nahtlos in Bildwelten ein, die die Grenzen zwischen Fotografie, Film und bildender Kunst verschwimmen lassen. Vor einer Kulisse von New York inspiriertem Storytelling feiert die Ausstellung gemeinsame Werte von Künstler und Marke: Handwerkskunst, Authentizität und das Bekenntnis zu Zeitlosigkeit. So wie ein Porsche über seine Funktionalität hinausgeht und zu einem Objekt von Leidenschaft und kultureller Bedeutung wird, schaffen auch diese Fotografien Momente, die über Trends und Zeit hinaus Bestand haben. Das Zusammenspiel von Licht und Schatten, Spannung und Stille macht die Serie zu einem faszinierenden Erlebnis.

Bloom up! ist die erste gemeinsame Ausstellung der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und des Badischen Landesmuseums. Kaum ein Motiv ist so allgegenwärtig, wandelbar und aussagekräftig wie die Blume. Seit Jahrtausenden ist sie als Ornament, Attribut oder Symbol in menschlichen Gesellschaften präsent. Mit Blumen verbinden sich starke Gefühle, lebendige Erinnerungen und wirkmächtige Bilder – geprägt von ihrer Schönheit, ihrem Duft und ihren vielfältigen Bedeutungen. Zeitgenössische künstlerische Positionen begegnen kunst- und kulturhistorischen Objekten aus den Sammlungen des Badischen Landesmuseums. Im Zusammenspiel von Gegenwartskunst und historischen Artefakten verändern florale Motive ihre Bedeutung immer wieder neu: als Symbol politischer Bewegungen, als Ausdruck von Sehnsucht und Widerstand oder als Trägerin persönlicher Erinnerungen. Bloom up! eröffnet neue Perspektiven auf die kulturellen, gesellschaftlichen und persönlichen Bedeutungen der Blume und macht sichtbar, wie eng Kunst, Geschichte und Gegenwart miteinander verwoben sind. Die Ausstellung wird gefördert durch Baden Württemberg, Ministerium für Wirtschaft, Forschung und Kunst. Über die Ausstellung: Kurator*innen Christina Lehnert Christiaan Veldman Kuratorische Assistenz Emely Steiner Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Badischen Landesmuseum, Karlsruhe und der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, gefördert durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

1948 emigrierte der ungarische Künstler Simon Hantaï nach Paris, wo er sich bald im Umfeld der aufstrebenden Avantgarde bewegte. Nach einer ersten surrealistischen Phase wandte er sich in den 1950er Jahren der Malerei des Informel zu und setzte sich zugleich intensiv mit dem Werk Jackson Pollocks auseinander. Das Jahr 1960 markiert einen Wendepunkt in Hantaïs Werk: Von diesem Moment an konzentriert er seine radikal experimentellen Forschungen auf das „pliage comme méthode“ – Werke, in denen er die gefaltete Leinwand mit Öl- oder Acrylfarbe bedeckte, um farbig leuchtende Zufallsmuster zu erzeugen. 1980 wurde Hantaï mit dem Grand Prix National des Arts Plastiques ausgezeichnet, zwei Jahre später war er Repräsentant seiner Wahlheimat auf der Biennale in Venedig. Mit rund 40 teils monumentalen Schlüsselwerken aus vier Schaffensjahrzehnten gibt die Ausstellung in Baden-Baden einen facettenreichen Überblick über das bildgewaltige Schaffen Hantaïs und präsentiert seinen herausragenden Beitrag zur internationalen Nachkriegsabstraktion als ein sinnlich bewegendes Fest der Farbe. Zu den zahlreichen Leihgebern zur Werkschau gehören unter anderem das Musée d’art contemporain de Bordeaux, die Fondation Gandur pour l’Art, Genève, die Fondation Louis Vuitton, das Musée d’art moderne de Paris sowie das Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne.

Ivo Puhonný, fantasievoller wie produktiver Ausnahmekünstler, erblickte am 19. Juli 1876 in Baden-Baden das Licht der Welt. Er starb 1940 in Möhringen, heute ein Stuttgarter Stadtbezirk. Anlässlich seines 150. Geburtstages bietet die Kabinettausstellung Einblicke in sein vielseitiges Werk. Zu entdecken sind Künstlergrafiken, Werbeplakate und -anzeigen sowie Arbeiten für das von ihm begründete Marionettentheater. Die Schöpfungen Puhonnýs sind originelle, anschauliche Zeitzeugnisse der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts mit all ihren Einschnitten und Umbrüchen. Die typische Ästhetik und Puhonnýs liebevoller Humor, der vielen Entwürfen innewohnt, faszinieren noch heute.

Diese Ausstellung zeigt, was die Great Spa Towns of Europe miteinander verbindet und welche Rolle die Musik in diesem einzigartigen Netzwerk spielt. Sie führt zu prägenden Orten des musikalischen Lebens in Baden-Baden und macht die Spuren bedeutender Komponistinnen und Komponisten erlebbar. Sie entdecken, wie Musik und Architektur als verbindende Kräfte Menschen über Räume und Zeiten hinweg zusammenführen. Werden Sie selbst Teil dieses Netzwerks, indem Sie mit dem SoundLab einen persönlichen musikalischen Gruß aus Baden-Baden in die Welt senden. So entsteht ein lebendiger Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen materiellem und immateriellem Erbe. Die Welterbe-Stadt Baden-Baden strahlt über Europa hinaus: als Ort, an dem Geschichte klingt und Gegenwart gestaltet wird – als internationaler Kulturort und als Musikstadt von besonderer Ausstrahlung.

50 herausragende Objekte vom Alltagsgegenstand bis zum Luxusgut, von der römischen Münze bis zum abstrakten Gemälde veranschaulichen die wechselvolle 2000-jährige Geschichte der Stadt Baden-Baden. Zudem bieten sie Einblicke in die Vielfalt der Bestände des Stadtmuseums Baden-Baden, dessen Sammlung im Jahr 1892 begründet wurde. Neben der Präsentation sonst nicht ausgestellter Werke im Anbau des Museums, werden auch Highlights der Dauerausstellung neu kontextualisiert. Den Anlass der Ausstellung bildet das Erscheinen des Auswahlkatalogs „Stadtmuseum Baden-Baden – 2000 Jahre in 50 Objekten“ (Verlag Schnell & Steiner, 19,95 €). Führungen: https://www.baden-baden.com/ve...

Das Thema ist mit der Bibel verknüpft , Adam und Eva werden sterblich, weil sie von der verbotenen Frucht gekostet haben, somit auch alle Nachkommen. Im Buch Hiob, einem Teil der Weisheitsliteratur des Alten Testaments, findet sich der Vers: »Der Mensch, vom Weib geboren, lebt kurze Zeit… wie eine Blume geht er auf und fällt ab, flieht wie ein Schatten und bleibt nicht.« Vanitas bedeutet Vergänglichkeit und Vergänglichkeit bedeutet Verwandlung, stetige Veränderung.

Anlässlich des 40. Jubiläums des Baldreit-Stipendiums stellt die Bildende Künstlerin Jeehye Song ihre Werke im Stadtmuseum aus. Vor 40 Jahren startete das Aufenthaltsstipendium mit seiner ersten Ausschreibung. Seitdem haben zahlreiche Künstlerinnen und Künstler in Baden-Baden gelebt. Mit der bildenden Künstlerin Jeehye Song hat seit April 2026 die 50. Stipendiatin in Baden-Baden für ein halbes Jahr eine neue Heimat. Die Baldreit-Jury wählte sie aus über 140 Bewerbungen nach einer persönlichen Vorstellungsrunde aus. Jeehye Song (*1991, Seoul) lebt und arbeitet in Düsseldorf. In ihren Gemälden und Zeichnungen untersucht sie fragile emotionale Zustände zwischen Ruhe und Erschöpfung, Nähe und Rückzug. Ausgangspunkt ihrer Arbeit ist eine stille Ambivalenz gegenüber dem Leben, die sich in surreal wirkenden Bildräumen und künstlichen Naturfragmenten verdichtet. Während ihres Aufenthalts in Baden-Baden möchte sie die besondere Atmosphäre der Stadt als Kur- und Erholungsort in ihre künstlerische Praxis einfließen lassen. Parklandschaften, Bäder und die inszenierte Ruhe der Stadt bilden dabei einen Resonanzraum für ihre Auseinandersetzung mit Erholung, künstlicher Natur und stiller Spannung. 2022 erhielt sie das Friedrich-Vordemberge-Stipendium, 2025 den Kunstpreis Junger Westen. Ausstellung im Stadtmuseum vom 17.7. bis 13. September 2026. Öffnungszeiten Stadtmuseum: Di-So 11-18 Uhr

Die Dauerausstellung ist das Herzstück des Schellhammer-Museums und vereint außergewöhnliche Kunstwerke aus verschiedenen Regionen Afrikas – mit einem besonderen Schwerpunkt auf den faszinierenden Kulturen des Kongo. Die Werke stammen aus der Sammlung von Günter Schellhammer, dessen Begeisterung für afrikanische Kunst während seiner Zeit im Kongo begann. Mit feinem Gespür und großem Respekt sammelte er über Jahre hinweg außergewöhnliche Objekte, die nicht nur künstlerisch beeindrucken, sondern auch die Lebenswelten, Rituale und Glaubensvorstellungen Afrikas widerspiegeln.

In Afrika wie auch in Asien entstanden aus diesem kostbaren Material kunstvolle Arbeiten von beeindruckender Detailtiefe – von rituellen Objekten über Ahnenfiguren bis hin zu fein gearbeiteten Reliefs und Miniaturen höfischer Kunst. Die Ausstellung vereint ausgewählte Werke aus beiden Kulturkreisen und eröffnet einen differenzierten Blick auf die handwerkliche Meisterschaft, die kulturelle Bedeutung und die historischen Zusammenhänge dieser Kunstform. Im Mittelpunkt steht dabei nicht nur die ästhetische Ausdruckskraft der Exponate, sondern auch ihre kulturelle Einbettung sowie der bewusste und reflektierte Umgang mit diesem traditionsreichen und heute sensibel betrachteten Material. Wir laden Sie ein, die faszinierende Welt des „weißen Goldes“ zu entdecken – zwischen Spiritualität, Symbolik und außergewöhnlicher Präzision. Zuwendungen von Elfenbein-Objekten Aus Elfenbein vor dem 03.03.1947 hergestellte Schnitzereien oder andere Gegenstände dürfen heute nicht mehr veräußert werden. Häufig werden solche Objekte vererbt oder innerhalb der Familie weitergegeben. Wenn kein persönlicher Bezug mehr besteht, stellt sich oft die Frage: Was soll mit dem Objekt geschehen? Unser Museum bietet eine verantwortungsvolle Alternative. Wir bewahren diese Stücke, behandeln sie mit dem gebotenen Respekt und machen sie für Besucher zugänglich.

Frida: meine Geheimnisse Es ist schon viel über Frida Kahlos Kunst und Leben geschrieben worden, aber ihre Persönlichkeit war so faszinierend und facettenreich, dass es immer noch Geheimnisse zu erzählen und zu zeigen gibt. Diese Ausstellung erzählt genau das, was sie verspricht: Frida Kahlos Geheimnisse. Sie ist die 11. Frida Kahlo-Ausstellung, die das Kunstmsueum in den letzten 13 Jahren in Deutschland und in den USA präsentiert und kuratiert hat. Das Museum zeigt Fotos und Gemälde, die in Europa selten oder nie zuvor zu sehen waren; es wird auch gezeigt, wo Frida tatsächlich ihre letzte Ruhestätte gefunden hat und wer wirklich ihre Freunde waren. Neben selten gesehenen Gemälden zeigt die Ausstellung über 70 Originalkleider aus Mexiko und Schmuckstücke, in der Art wie Frida diese trug, sowie 60 seltene, kostbar handgewebte oder handbestickte Textilstücke aus dem Süden Mexikos. Mit über 100 Frida Kahlo-Repliken, 250 Fotos und 13 Videos kann das tragische und schöne Leben von Frida Kahlo wie nie zuvor erlebt und verstanden werden. In der Tradition des Museums erhalten alle Besucherinnen und Besucher leihweise und kostenfrei einen Katalog - erhältlich in Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch und Russisch - in dem Frida in eigenen Worten die Geschichten und Geheimnisse hinter ihren Gemälden offenbart.

Skulptur und Malerei: Ästhetik des Rückstands und organische Zersetzung; Installationen aus Silikon und Wasser. „Die fleischfressende Blüte“ von Zsolt Berszán setzt seine künstlerischen und ästhetischen Untersuchungen zu den Grenzen der Materie und der Auflösung der Grenzen zwischen Organischem und Anorganischem fort. Beheimatet im historischen Raum des alten Dampfbades, Altes Dampfbad – einem Ort, der durch die Präsenz der zentralen Thermalquelle geprägt ist –, etabliert Berszáns künstlerische Intervention einen Dialog zwischen dem Gedächtnis des Wassers und der radikalen Materialität zeitgenössischer Kunst. Der Künstler orchestriert hier eine gleichermaßen brutale wie sublime Begegnung zwischen biologischer Immanenz und transfigurierter anorganischer Materie, wobei er die Grenzen der klassischen Anatomie vollkommen überschreitet. Im Zentrum des kuratorischen Diskurses steht das Konzept einer *unkonventionellen Genesis*. Der Künstler sondiert das ontologische Potenzial von Silikon und Bitumen – Materialien, die, obwohl ihrem Wesen nach industriell, durch die künstlerische Umsetzung mit einem biologischen Puls neu aufgeladen werden. Diese „verzehrende Blüte“ ist keine Metapher des Zerfalls, sondern vielmehr eine Manifestation roher Lebenskraft, die bekannte Formen transzendiert. Silikon, dessen strukturelle Zusammensetzung an die ursprüngliche Fluidität des Wassers erinnert, wird hier als Bindeglied zwischen der starren Architektur des Metalls und der Plastizität der suggerierten Materie eingesetzt. ##### Über Zsolt Berszán: Zsolt Berszán (geb. 1974) schloss 1998 sein Studium an der Universität für Kunst und Design in Cluj-Napoca ab. Im Jahr 2021 widmete ihm der deutsche Kerber Verlag in Berlin eine erste Monografie mit dem Titel „Remains“, die von einer Einzelausstellung in der Anaid Art Gallery in Berlin begleitet wurde. Eine seiner umfangreichsten und bedeutendsten Einzelausstellungen, „Project Genesis“, fand 2010 im MODEM – Zentrum für moderne und zeitgenössische Kunst in Debrecen, Ungarn, statt. Installationen, Objekte und großformatige Gemälde wurden in der Einzelausstellung „Decomposition“ gezeigt, die 2014 als Parallelveranstaltung zur Architektur-Biennale in Venedig in den Ausstellungsräumen der Reale Società Canottieri Bucintoro stattfand. 2016 nahm er mit einer ortsspezifischen Installation an der ART CAPITAL in Szentendre, Ungarn, teil. Ein weiterer wichtiger Beitrag war die Gruppenausstellung „European Travellers - Art from Cluj Today“ im Jahr 2012, organisiert vom Műcsarnok / Kunsthalle Budapest Museum für zeitgenössische Kunst. In den letzten Jahren weitete er seine künstlerische Präsenz durch bedeutende Soloprojekte aus, darunter die Ausstellung „Traces on the Field“ (2024) im Alten Dampfbad sowie die Pop-up-Show „Memory of the Bones“ (2025) in der Anaid Art Gallery Paris, Gruppenausstellung „Scultura 2026“, GFjK, Baden-Baden. Zsolt Berszán wird seit 2010 von der Anaid Art Gallery vertreten.

18 Künstlerinnen und Künstler zeigen ihre Arbeiten zwischen dem Alten Dampfbad und dem Florentinerberg auf einem Rundweg im Freien. Das Konzept der Kuratoren Martin Pöll und Karl Manfred Rennertz vereint junge Kunstschaffende, die am Beginn ihrer Karriere stehen mit international bekannten Klassikern der Kunstszene (Bernar Venet (F), Markus Lüpertz, Klaus Prior). Ausstellende Künstler: Max Bernhard, Eric Decastro, Susanne Egle, Manfred Emmenegger-Kanzler, Nina Laaf, Markus Lüpertz, Martin Pöll, Klaus Prior, Karl Manfred Rennertz, Germain Roesz, Max Seiz, Ralf Schira, Markus Strieder, Bernar Venet, Max Benedikt Werner, Georg-Friedrich Wolf, Ulrich Wolff, Zsolt Berszán Auch in diesem Jahr wird wieder der mit 5.000 € dotierte Preis "Baden-Badener Rabe" verliehen. Durch die KUBERAS - Stiftung für das Wahre - Gute - Schöne erhält die Gesellschaft der Freunde junger Kunst eine zweckgebundene Zuwendung zur Auslobung des Kunstpreises im Rahmen der Ausstellung. Zahlreiche Arbeiten wurden exklusiv für diese Präsentation geschaffen. Zsolt Berszán (Rumänien) hat sogar vor Ort in eine Baumkrone im verträumten Garten am Florentinerberg sein Werk eingepasst. Natürlich in Absprache mit dem Gartenamt und ohne Verletzung des Baums. Die Materialien sind vielfältig: Stein, Stahl, Eisenguss, Aluminium, Holz, Beton, LKW-Plane, Silikon, Bronze und deren Kombinationen. Die Themen reichen vom frechen Realismus eines Markus Lüpertz bis zu den minimalistischen schweren Stahlblöcken (2,4 t) von Markus Strieder. Der „Himmel auf Erden“ von Susanne Egle auf leichter LKW Plane, oder die „Widerständige“ aus schwerem Gusseisen von Klaus Prior. Grob zugerichtet die rote Holzkugel (1t Eichenholz) von K M Rennertz, oder fein austariert „reaching high“ von Eric Decastro. Fast zeichnerisch fräst Uli Wolff seinen Frosch in große Edelstahlplatten und bei Martin Pöll galoppiert ein vielbeiniges Pferd aus dem Eichenholz heraus. Beton ist wieder beliebt bei Nina Laaf, Max Bernhard und Manfred Emmenegger-Kanzler, aber jedes Mal völlig anders zu künstlerischem Leben erweckt, dieser spröde Baustoff. Höchst elegant die bronzene „Menschenbank“ von Max Seiz, sperrig und voller Energie, „Kraftfluss“, bei dem Georg Friedrich Wolf Stahlträger mit Gewalt in ihre Form zwingt. Spitzige stählerne „Angles“ von Bernar Venet (F) und mysteriös die „Skala“ seines Landsmanns Germain Roesz (F). Glatt und seidig wird Carrara-Marmor unter den Händen von Ralf Schira, dagegen wirkt die Aluminiumform, die Max B. Werner aus der großen Mauer wachsen lässt, eigenartig amorph und geheimnisvoll. Die Ausstellung lebt von den Gegensätzen, von der Vielfalt der Ideen und Bildhauermaterialien. Von Palmsonntag bis Anfang Oktober ist die Ausstellung am Florentinerberg durchgehend geöffnet und der Eintritt frei.

Die Fotoausstellung HandWerk zeigt auf großformatigen Fotos zehn handwerkliche Berufe, in denen die Arbeit hauptsächlich von Hand und nicht von Maschinen ausgeführt wird. Darunter sind beispielsweise Schmied, Geigenbauer, Buchbinder, Glasmaler/Restaurator, um nur einige zu nennen. Die Ausstellung kann als Dokumentation solcher Berufe angesehen werden. Sie kann aber auch berufssoziologisch gelesen werden auf die Frage hin, warum sich diese Berufe bis heute gehalten haben, und ob sie es in Zukunft noch tun werden. Und sie lässt sich schließlich unter einer politisch-kritischen Perspektive daraufhin betrachten, ob sich diese Berufe gegen das Vordringen künstlicher Intelligenz werden behaupten können. Mit Blick auf diese unterschiedlichen Perspektiven ist es aufschlussreich, auch handwerkliche Mikroprozesse zu beobachten. Dazu verhelfen eine ganze Reihe von Makroaufnahmen. Sie rücken die extreme Handfertigkeit in diesen Berufen ins rechte Licht und helfen zu erklären, warum diese Berufe vielleicht nicht durch künstliche Intelligenz ersetzbar sind. Die Ausstellung ist bei Kursbetrieb von Montag bis Samstag, 8 bis 21 Uhr zu sehen.

# 60 Jahre Fotorealismus Seit der Antike gehört die möglichst detailgetreue Wiedergabe der Natur zu den zentralen Anliegen der Malerei. In der Kunst des 20. Jahrhunderts gibt es keine Bewegung, die diesen Wettstreit mit der Wirklichkeit so programmatisch verfolgt hat wie der amerikanische Fotorealismus. Als Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus wandten sich Künstlerinnen und Künstler wie Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings und Ron Kleemann einer gegenständlichen Malerei zu, die in ihrer Präzision und Bildgewalt mit dem Medium der Fotografie konkurrieren sollte. Banale Motive aus dem amerikanischen Alltagsleben wurden zu Markenzeichen dieser hoch ambitionierten Maler, die die Macht der Bilder nicht im Sujet selbst, sondern in dessen verblüffend illusionistischer Wiedergabe verorteten. Anhand von über 90 ausgewählten Meisterwerken beleuchtet die Ausstellung die Entwicklung der auch als Hyperrealismus bekannten Kunstströmung von den 1960er Jahren bis heute. Zu den zahlreichen internationalen Leihgebern gehören u. a. das Museo nacional Thyssen-Bornemisza in Madrid sowie das Whitney Museum of American Art in New York. Gezeigt werden Arbeiten von mehr als 30 Künstlerinnen und Künstlern, darunter Werke von John Baeder, Robert Bechtle, Charles Bell, Roberto Bernardi, Tom Blackwell, Robert Cottingham, Don Eddy, Richard Estes, Audrey Flack, Ben Johnson, Ralph Goings, Richard McLean, Malcolm Morley, Ron Kleemann, Karin Kneffel, Gerhard Richter, Raphaella Spence, und Craig Wylie.

Die Ausstellung würdigt Gunter Sachs als Fotografen und visuellen Gestalter, der weit über das Bild des internationalen Jetsets hinaus Bedeutung erlangte. Bereits Anfang der 1950er-Jahre experimentierte Sachs mit schwarzweißer Fotografie. Internationale Aufmerksamkeit erhielt er insbesondere in den 1970er-Jahren mit seinen Mode- und Kunstfotografien sowie durch seine Arbeiten für die Vogue. Was seine Arbeiten bis heute prägt, ist weniger das einzelne Motiv als vielmehr die Konsequenz seines ästhetischen Blicks. Sachs verstand Fotografie nicht als reine Abbildung, sondern als Inszenierung von Atmosphäre, Bewegung und Schönheit. Besonders seine Aktfotografien zeigen einen eigenständigen visuellen Stil, der mit Licht, Raum und Körper arbeitet und sich zunehmend von der klassischen dokumentarischen Fotografie löst. Geprägt von seiner Nähe zum Surrealismus und seiner bedeutenden Kunstsammlung, entwickelte Sachs Bildwelten zwischen Realität und Imagination. Früh experimentierte er mit Langzeitbelichtungen, Mehrfachbelichtungen und digitalen Bildkompositionen und gehörte damit zu den ersten Fotografen seiner Generation, die technische Innovation als künstlerisches Ausdrucksmittel einsetzten. Die Ausstellung in der Galerie Bell konzentriert sich auf ikonische Arbeiten aus seinem fotografischen Werk und versteht sich zugleich als Hommage an eine Haltung: die bewusste Suche nach Schönheit, Zeitlosigkeit und visueller Klarheit. Private Art Dinner Ein außergewöhnliches Angebot der Galerie ist das "Private Art Dinner“: Inmitten der Ausstellung serviert Privatkoch Lukas de Kever von Ceasars Dinner ein 6-Gang-Menü, das von den Motiven, Stimmungen und Sehnsuchtsorten der Werke inspiriert ist. Es ist auf Anfrage für sechs bis acht Personen buchbar und kostet 220 Euro pro Person inklusive Champagner-Empfang sowie Mineralwasser und Espresso. Die zum Menü passende Weinbegleitung kann für 70 Euro pro Person dazugebucht werden.

Seit 2021 bringt „kunst findet stadt“ internationale Gegenwartskunst in den Kurgarten vor dem Kurhaus Baden-Baden. Offen, kostenlos und mitten im Stadtleben. Wer tiefer einsteigen möchte, kann die Ausstellung auch im Rahmen von Kuratorenführungen erleben. Die Führungen kosten 5 Euro, dauern rund eine Stunde und starten an der Tourist-Information Baden-Baden. Tickets und Termine gibt es hier: Termine 2026 ist Tobias Rehberger zu Gast. Tobias Rehberger, 1966 in Esslingen geboren, lebt und arbeitet in Frankfurt, wo er an der Städelschule eine Professur für Bildhauerei innehat, und in Berlin. In seinen Installationen verbindet er unterschiedlichste künstlerische Medien: Skulptur und Malerei, Architektur, Design und Mode, Sprache und Performance. Für seinen Beitrag zur Biennale Venedig wurde er 2009 mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet. Mit Baden-Baden verbindet ihn bereits eine besondere Geschichte: 2001 zeigte die Kunsthalle Baden-Baden eine Einzelausstellung seiner Werke, und 2009 verwandelte er das Café der Kunsthalle in die Skulptur mit dem Titel „Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen (japanese franchise version)“, mit der er in jenem Jahr den Goldenen Löwen in Venedig gewann. Für „kunst findet stadt“ hat Rehberger einen Ausstellungsparcours im öffentlichen Raum entwickelt. Die Ausstellung führt von den Kolonnaden Richtung Kurhaus und setzt sich an mehreren Stationen fort. Zu sehen sind unter anderem Neonarbeiten in den Schaufenstern der Kolonnaden, freistehende Skulpturen aus der Werkserie der „Rauch“-Arbeiten sowie weitere Arbeiten im Pavillon rechts vom Kurhaus. Den Abschluss bildet eine Station im Bereich der Trinkhalle, unter anderem mit dem Brunnen „The Unexpected Life of a Discontent Boy“. Was macht „kunst findet stadt“ besonders? Die Kunst kommt zu den Menschen, nicht umgekehrt. Kein Museumseintritt, keine Schwellenangst. Einfach vorbeikommen, entdecken, erleben.

Seit 2012 vergibt die Peter und Luise Hager-Stiftung gemeinsam mit der HBKsaar (Hochschule der Bildenden Künste Saar) den Preis, der herausragende künstlerische und gestalterische Leistungen von Studierenden würdigt. Zum diesjährigen Motto des Wettbewerbs „übersetzen“ entstanden Werke, die von Transformation, Verständigung und der äußeren Natur im Inneren der Städte handeln. Zehn ausgewählte Positionen sind in der Ausstellung zu sehen – sie zeigen auf innovative künstlerische Weise, wie vielfältig und bedeutungsvoll das „Übersetzen“ gerade in unserer heutigen Gesellschaft ist. Die Finalistinnen und Finalisten: •Leonie Adam: „ver-puppe mich“ (Soft Sculpture) •Yeji Cho: „Abdruck: eine Begegnung“ (Performance) •Latifa Hamido: „I forgot“ (Textilkunstwerk) •j. Haeusser: „Duzen“ (Video) •Bente Heyer: „Zeitraum“ (Papierinstallation) •Nils Kammer: „direkt“ (Videoinstallation) •Maike Paul: „Pfeil (LCR)“ (Installation aus Holzschnittstock und Druck) •Melissa Pelk: „Bewerbung“ (Videoinstallation) •Anna von Trott zu Solz: „36 g“ (Installation) •Lukas Elias Waller

Im Muße-Literaturmuseum erlebt Ihr das literarische Baden-Baden. Bei der privaten Führung werden Euch Geschichten vom Mittelalter bis zur Gegenwart vorgestellt. Im Muße‑Literaturmuseum erfahrt Ihr, wie eng Baden‑Baden mit Literatur verknüpft ist: als Wohn‑ und Wirkungsort zahlreicher Autorinnen und Autoren, als „erzählte Stadt“ voller Schauplätze und Begegnungen, als Lehr‑ und Lernort sowie als Ort der Muße und Reflexion. Die 60-minütige Führung, die von fachkundigen Mitarbeitern geleitet wird, spannt den Bogen von mittelalterlichen Handschriften über Salon- und Kurgeschichten des 19. Jahrhunderts bis zu zeitgenössischen Stimmen. Anhand ausgewählter Textauszüge, Biografien und Exponate lernt Ihr Hintergründe und Schicksale kennen - mal spannend, mal amüsant, stets informativ. Ideal für Literaturinteressierte, Geschichtsfreundinnen und -freunde sowie für Besuchende, die Baden‑Baden abseits der üblichen Touristenspuren erleben möchten. Das Angebot richtet sich an Paare sowie an Freundesgruppen.

Die BesucherInnen erwartet eine spannende Reise durch unterschiedliche fotografische Welten: Reise-, Atro-, Landschafts- und Streetfotografie bis hin zu abstrakten Bildkompositionen. Vernissage am 4.9. um 18.00 Uhr, Ausstellung am 5.9. von 11.00 - 19.00 Uhr. Eintritt frei.

Die Welt der Literatur in Baden-Baden entdecken – vom Mittelalter bis zur Gegenwart. Spannende Texte, Schicksale und Geschichten über Baden-Baden findet Ihr im Muße-Literaturmuseums. Bei „Literatur in der Mittagspause“ stellt ein Mitglied des Teams jeweils eine der Stationen des Museums vor. In 18 unterschiedlichen Räumen entdeckt Ihr unter anderem die Themen „Von Badelust und Badefrust“ (Mittelalter und frühe Neuzeit), „Die ‚Entdeckung‘ der Natur“ von der Aufklärung bis zur Romantik, „Die goldenen Sechziger“ (Musik & Salonkultur) und noch viele weitere faszinierende Kapitel der Literaturgeschichte Baden‑Badens.

Eine Ausstellung von Künstlerpaaren ist relativ selten. Eine Ausstellung von einer Künstlerfamilie in der hier gezeigten Form aber ist außergewöhnlich und sehr bemerkenswert. Die Ausstellung, die mit einer Einführung der Kunsthistorikerin und Kuratorin Frau Sylvia Bieber (ehem. stellvertretende Direktorin der Städtischen Galerie Karlsruhe) am Sonntag den 13.September eröffnet wird, zeigt, wie sich selbst in kleinem Kreise, neben unterschiedlichen Techniken, auch Denkansätze und Themen stark unterscheiden können und dürfen. Während Ida Konarzewska mit ihrer realistischen bis abstrakten Malerei noch die klassischen Pfade der Künste besetzt, werfen Tochter Sarah mit ihren Collagen von bizarren Schönheiten und Erich Wimberger mit seinen Galerieprints zum Thema SM ART PHONE auch bissige Fragen in der Gesellschaft auf. Mit Gewissheit wird die eine oder andere Darstellung vom Betrachter und Besucher ein Stauen oder auch Schmunzeln abverlangen.

In den farbenfrohen und kraftvollen Bildern von JINX spiegeln sich Lebenswut und Lebensmut wieder. Sie suchen in Linien, Strukturen und oft archaischen Gestalten nach Raum, nachdem er wegen einer schweren Erkrankung im Mai 2021 plötzlich auf den Rollstuhl und ständige medizinische Hilfe angewiesen ist. Jan Hildenbrand, geb. 11.04.1979, gest. 06.03.2023 hat von früher Kindheit an gemalt, oft auch in Comics humorvolle Geschichten erfunden. Er hat sein Malen als Autodidakt weiterentwickelt. In Gemeinschaftsausstellungen mit dem Kunstverein Baden-Baden und der Gesellschaft der Freunde junger Kunst sowie in einigen Einzelausstellungen hat er seine Bilder präsentiert. Im Laufe der Zeit hat er sich den Namen JINX gegeben, was verhext oder auch verflucht bedeutet. Wegen eines angeborenen schweren Herzfehlers hat er sich oft als Außenseiter - outsider gefühlt - im Malen hat er einen Weg zu sich und eine Verbindung zur Umwelt gefunden. Er sagt: “ich möchte die Betrachter der Bilder anregen, darüber nachzudenken, was sie in diesen Bildern sehen.“