Veranstaltungen diese Woche in Baden-Baden

Kunstprojekt von Norbert Nolte in der Stiftskirche Kunstprojekt der besonderen Art. Dafür wurde der Künstler Norbert Nolte aus Nürnberg gewonnen, der eine reiche Erfahrung im Dialog von Kunst mit Kirchenräumen hat. Dem Veranstalter liegt an einem Dialog zwischen Kunst und Kirchenraum, der natürlich die Kunst in der ihr gebührenden Weise würdigt.

1948 emigrierte der ungarische Künstler Simon Hantaï nach Paris, wo er sich bald im Umfeld der aufstrebenden Avantgarde bewegte. Nach einer ersten surrealistischen Phase wandte er sich in den 1950er Jahren der Malerei des Informel zu und setzte sich zugleich intensiv mit dem Werk Jackson Pollocks auseinander. Das Jahr 1960 markiert einen Wendepunkt in Hantaïs Werk: Von diesem Moment an konzentriert er seine radikal experimentellen Forschungen auf das „pliage comme méthode“ – Werke, in denen er die gefaltete Leinwand mit Öl- oder Acrylfarbe bedeckte, um farbig leuchtende Zufallsmuster zu erzeugen. 1980 wurde Hantaï mit dem Grand Prix National des Arts Plastiques ausgezeichnet, zwei Jahre später war er Repräsentant seiner Wahlheimat auf der Biennale in Venedig. Mit rund 40 teils monumentalen Schlüsselwerken aus vier Schaffensjahrzehnten gibt die Ausstellung in Baden-Baden einen facettenreichen Überblick über das bildgewaltige Schaffen Hantaïs und präsentiert seinen herausragenden Beitrag zur internationalen Nachkriegsabstraktion als ein sinnlich bewegendes Fest der Farbe. Zu den zahlreichen Leihgebern zur Werkschau gehören unter anderem das Musée d’art contemporain de Bordeaux, die Fondation Gandur pour l’Art, Genève, die Fondation Louis Vuitton, das Musée d’art moderne de Paris sowie das Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne.

Bloom up! ist die erste gemeinsame Ausstellung der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und des Badischen Landesmuseums. Kaum ein Motiv ist so allgegenwärtig, wandelbar und aussagekräftig wie die Blume. Seit Jahrtausenden ist sie als Ornament, Attribut oder Symbol in menschlichen Gesellschaften präsent. Mit Blumen verbinden sich starke Gefühle, lebendige Erinnerungen und wirkmächtige Bilder – geprägt von ihrer Schönheit, ihrem Duft und ihren vielfältigen Bedeutungen. Zeitgenössische künstlerische Positionen begegnen kunst- und kulturhistorischen Objekten aus den Sammlungen des Badischen Landesmuseums. Im Zusammenspiel von Gegenwartskunst und historischen Artefakten verändern florale Motive ihre Bedeutung immer wieder neu: als Symbol politischer Bewegungen, als Ausdruck von Sehnsucht und Widerstand oder als Trägerin persönlicher Erinnerungen. Bloom up! eröffnet neue Perspektiven auf die kulturellen, gesellschaftlichen und persönlichen Bedeutungen der Blume und macht sichtbar, wie eng Kunst, Geschichte und Gegenwart miteinander verwoben sind. Die Ausstellung wird gefördert durch Baden Württemberg, Ministerium für Wirtschaft, Forschung und Kunst. Über die Ausstellung: Kurator*innen Christina Lehnert Christiaan Veldman Kuratorische Assistenz Emely Steiner Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Badischen Landesmuseum, Karlsruhe und der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, gefördert durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Tauchen Sie ein in die lebendige Welt afrikanischer Kunst – voller Ausdruck, Symbolik und Geschichten, die berühren. Die Dauerausstellung ist das Herzstück des Schellhammer-Museums und vereint außergewöhnliche Kunstwerke aus verschiedenen Regionen Afrikas – mit einem besonderen Schwerpunkt auf den faszinierenden Kulturen des Kongo. Die Werke stammen aus der Sammlung von Günter Schellhammer, dessen Begeisterung für afrikanische Kunst während seiner Zeit im Kongo begann. Mit feinem Gespür und großem Respekt sammelte er über Jahre hinweg außergewöhnliche Objekte, die nicht nur künstlerisch beeindrucken, sondern auch die Lebenswelten, Rituale und Glaubensvorstellungen Afrikas widerspiegeln.

Ivo Puhonný, fantasievoller wie produktiver Ausnahmekünstler, erblickte am 19. Juli 1876 in Baden-Baden das Licht der Welt. Er starb 1940 in Möhringen, heute ein Stuttgarter Stadtbezirk. Anlässlich seines 150. Geburtstages bietet die Kabinettausstellung Einblicke in sein vielseitiges Werk. Zu entdecken sind Künstlergrafiken, Werbeplakate und -anzeigen sowie Arbeiten für das von ihm begründete Marionettentheater. Die Schöpfungen Puhonnýs sind originelle, anschauliche Zeitzeugnisse der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts mit all ihren Einschnitten und Umbrüchen. Die typische Ästhetik und Puhonnýs liebevoller Humor, der vielen Entwürfen innewohnt, faszinieren noch heute.

Highlights aus der Sammlung des Stadtmuseums Baden-Baden 50 herausragende Objekte vom Alltagsgegenstand bis zum Luxusgut, von der römischen Münze bis zum abstrakten Gemälde veranschaulichen die wechselvolle 2000-jährige Geschichte der Stadt Baden-Baden. Zudem bieten sie Einblicke in die Vielfalt der Bestände des Stadtmuseums Baden-Baden, dessen Sammlung im Jahr 1892 begründet wurde. Neben der Präsentation sonst nicht ausgestellter Werke im Anbau des Museums, werden auch Highlights der Dauerausstellung neu kontextualisiert. Den Anlass der Ausstellung bildet das Erscheinen des Auswahlkatalogs „Stadtmuseum Baden-Baden – 2000 Jahre in 50 Objekten“ (Verlag Schnell & Steiner, 19,95 €). Führungen: https://www.baden-baden.com/ve...

Diese Ausstellung zeigt, was die Great Spa Towns of Europe miteinander verbindet und welche Rolle die Musik in diesem einzigartigen Netzwerk spielt. Sie führt zu prägenden Orten des musikalischen Lebens in Baden-Baden und macht die Spuren bedeutender Komponistinnen und Komponisten erlebbar. Sie entdecken, wie Musik und Architektur als verbindende Kräfte Menschen über Räume und Zeiten hinweg zusammenführen. Werden Sie selbst Teil dieses Netzwerks, indem Sie mit dem SoundLab einen persönlichen musikalischen Gruß aus Baden-Baden in die Welt senden. So entsteht ein lebendiger Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen materiellem und immateriellem Erbe. Die Welterbe-Stadt Baden-Baden strahlt über Europa hinaus: als Ort, an dem Geschichte klingt und Gegenwart gestaltet wird – als internationaler Kulturort und als Musikstadt von besonderer Ausstrahlung.

Ab dem 3. März 2026 widmet sich das Schellhammer-Museum einem außergewöhnlichen Kapitel der Kunst- und Kulturgeschichte: der jahrhundertealten Tradition der Schnitzkunst aus dem sogenannten „weißen Gold“. In Afrika wie auch in Asien entstanden aus diesem kostbaren Material kunstvolle Arbeiten von beeindruckender Detailtiefe – von rituellen Objekten über Ahnenfiguren bis hin zu fein gearbeiteten Reliefs und Miniaturen höfischer Kunst. Die Ausstellung vereint ausgewählte Werke aus beiden Kulturkreisen und eröffnet einen differenzierten Blick auf die handwerkliche Meisterschaft, die kulturelle Bedeutung und die historischen Zusammenhänge dieser Kunstform. Im Mittelpunkt steht dabei nicht nur die ästhetische Ausdruckskraft der Exponate, sondern auch ihre kulturelle Einbettung sowie der bewusste und reflektierte Umgang mit diesem traditionsreichen und heute sensibel betrachteten Material. Wir laden Sie ein, die faszinierende Welt des „weißen Goldes“ zu entdecken – zwischen Spiritualität, Symbolik und außergewöhnlicher Präzision. Zuwendungen von Elfenbein-Objekten Aus Elfenbein vor dem 03.03.1947 hergestellte Schnitzereien oder andere Gegenstände dürfen heute nicht mehr veräußert werden. Häufig werden solche Objekte vererbt oder innerhalb der Familie weitergegeben. Wenn kein persönlicher Bezug mehr besteht, stellt sich oft die Frage: Was soll mit dem Objekt geschehen? Unser Museum bietet eine verantwortungsvolle Alternative. Wir bewahren diese Stücke, behandeln sie mit dem gebotenen Respekt und machen sie für Besucher zugänglich.

# 60 Jahre Fotorealismus Seit der Antike gehört die möglichst detailgetreue Wiedergabe der Natur zu den zentralen Anliegen der Malerei. In der Kunst des 20. Jahrhunderts gibt es keine Bewegung, die diesen Wettstreit mit der Wirklichkeit so programmatisch verfolgt hat wie der amerikanische Fotorealismus. Als Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus wandten sich Künstlerinnen und Künstler wie Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings und Ron Kleemann einer gegenständlichen Malerei zu, die in ihrer Präzision und Bildgewalt mit dem Medium der Fotografie konkurrieren sollte. Banale Motive aus dem amerikanischen Alltagsleben wurden zu Markenzeichen dieser hoch ambitionierten Maler, die die Macht der Bilder nicht im Sujet selbst, sondern in dessen verblüffend illusionistischer Wiedergabe verorteten. Anhand von über 90 ausgewählten Meisterwerken beleuchtet die Ausstellung die Entwicklung der auch als Hyperrealismus bekannten Kunstströmung von den 1960er Jahren bis heute. Zu den zahlreichen internationalen Leihgebern gehören u. a. das Museo nacional Thyssen-Bornemisza in Madrid sowie das Whitney Museum of American Art in New York. Gezeigt werden Arbeiten von mehr als 30 Künstlerinnen und Künstlern, darunter Werke von John Baeder, Robert Bechtle, Charles Bell, Roberto Bernardi, Tom Blackwell, Robert Cottingham, Don Eddy, Richard Estes, Audrey Flack, Ben Johnson, Ralph Goings, Richard McLean, Malcolm Morley, Ron Kleemann, Karin Kneffel, Gerhard Richter, Raphaella Spence, und Craig Wylie.

Skulptur und Malerei: Ästhetik des Rückstands und organische Zersetzung; Installationen aus Silikon und Wasser. „Die fleischfressende Blüte“ von Zsolt Berszán setzt seine künstlerischen und ästhetischen Untersuchungen zu den Grenzen der Materie und der Auflösung der Grenzen zwischen Organischem und Anorganischem fort. Beheimatet im historischen Raum des alten Dampfbades, Altes Dampfbad – einem Ort, der durch die Präsenz der zentralen Thermalquelle geprägt ist –, etabliert Berszáns künstlerische Intervention einen Dialog zwischen dem Gedächtnis des Wassers und der radikalen Materialität zeitgenössischer Kunst. Der Künstler orchestriert hier eine gleichermaßen brutale wie sublime Begegnung zwischen biologischer Immanenz und transfigurierter anorganischer Materie, wobei er die Grenzen der klassischen Anatomie vollkommen überschreitet. Im Zentrum des kuratorischen Diskurses steht das Konzept einer *unkonventionellen Genesis*. Der Künstler sondiert das ontologische Potenzial von Silikon und Bitumen – Materialien, die, obwohl ihrem Wesen nach industriell, durch die künstlerische Umsetzung mit einem biologischen Puls neu aufgeladen werden. Diese „verzehrende Blüte“ ist keine Metapher des Zerfalls, sondern vielmehr eine Manifestation roher Lebenskraft, die bekannte Formen transzendiert. Silikon, dessen strukturelle Zusammensetzung an die ursprüngliche Fluidität des Wassers erinnert, wird hier als Bindeglied zwischen der starren Architektur des Metalls und der Plastizität der suggerierten Materie eingesetzt. ##### Über Zsolt Berszán: Zsolt Berszán (geb. 1974) schloss 1998 sein Studium an der Universität für Kunst und Design in Cluj-Napoca ab. Im Jahr 2021 widmete ihm der deutsche Kerber Verlag in Berlin eine erste Monografie mit dem Titel „Remains“, die von einer Einzelausstellung in der Anaid Art Gallery in Berlin begleitet wurde. Eine seiner umfangreichsten und bedeutendsten Einzelausstellungen, „Project Genesis“, fand 2010 im MODEM – Zentrum für moderne und zeitgenössische Kunst in Debrecen, Ungarn, statt. Installationen, Objekte und großformatige Gemälde wurden in der Einzelausstellung „Decomposition“ gezeigt, die 2014 als Parallelveranstaltung zur Architektur-Biennale in Venedig in den Ausstellungsräumen der Reale Società Canottieri Bucintoro stattfand. 2016 nahm er mit einer ortsspezifischen Installation an der ART CAPITAL in Szentendre, Ungarn, teil. Ein weiterer wichtiger Beitrag war die Gruppenausstellung „European Travellers - Art from Cluj Today“ im Jahr 2012, organisiert vom Műcsarnok / Kunsthalle Budapest Museum für zeitgenössische Kunst. In den letzten Jahren weitete er seine künstlerische Präsenz durch bedeutende Soloprojekte aus, darunter die Ausstellung „Traces on the Field“ (2024) im Alten Dampfbad sowie die Pop-up-Show „Memory of the Bones“ (2025) in der Anaid Art Gallery Paris, Gruppenausstellung „Scultura 2026“, GFjK, Baden-Baden. Zsolt Berszán wird seit 2010 von der Anaid Art Gallery vertreten.

It’s tea o’clock: Die einladende Kaminhalle oder auch die Minerva Terrasse mit Blick in den Privatpark des Brenners Park-Hotel & Spa bilden den gebührenden Rahmen für märchenhaft köstliche Kreationen. Die Chefs de Pâtisserie empfangen Euch zur Teestunde mit einem Bouquet aromatisch-frischer Tees und einer feinen Auswahl an exquisiten Köstlichkeiten. Optional könnt Ihr zu Eurem Afternoon Tea auch Champagner bestellen. Die perfekte Auszeit am Nachmittag.

Mit der Ausstellung „BALANCE“ begegnen sich zwei künstlerische Positionen, die sich auf unterschiedliche Weise der Suche nach der Mitte widmen. Die Werke von Elena Engel und Manfred Emmenegger kreisen um das Spannungsverhältnis von Bewegung und Ruhe, Leere und Form, Stabilität und Fragilität. Gemeinsam eröffnen sie einen Raum, in dem Balance nicht als statischer Zustand, sondern als fortwährender Prozess erfahrbar wird. Die Düsseldorfer Künstlerin Elena Engel, die an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Gerhard Hoehme studierte, entwickelt seit vielen Jahren skulpturale Pendelobjekte aus Holz und Eisen. Das Pendel wird dabei zum Sinnbild für den Weg des Menschen zu seiner eigenen Mitte. Ihre Arbeiten laden dazu ein, innere Ausgewogenheit und Konzentration zu erfahren – eine Einpendelung im wörtlichen wie im übertragenen Sinn. Seit 2016 hat Elena Engel ihr künstlerisches Spektrum um Arbeiten auf schwerem handgeschöpftem Papier erweitert. In ihren abstrakten Bildfindungen bildet der menschliche Körper den Ausgangspunkt. Sie beziehen sich auf das Innenleben des Menschen und eröffnen dem Betrachter einen kontemplativen Zugang – zu den dargestellten Formaten.

Kunstprojekt von Norbert Nolte in der Stiftskirche Kunstprojekt der besonderen Art. Dafür wurde der Künstler Norbert Nolte aus Nürnberg gewonnen, der eine reiche Erfahrung im Dialog von Kunst mit Kirchenräumen hat. Dem Veranstalter liegt an einem Dialog zwischen Kunst und Kirchenraum, der natürlich die Kunst in der ihr gebührenden Weise würdigt.

1948 emigrierte der ungarische Künstler Simon Hantaï nach Paris, wo er sich bald im Umfeld der aufstrebenden Avantgarde bewegte. Nach einer ersten surrealistischen Phase wandte er sich in den 1950er Jahren der Malerei des Informel zu und setzte sich zugleich intensiv mit dem Werk Jackson Pollocks auseinander. Das Jahr 1960 markiert einen Wendepunkt in Hantaïs Werk: Von diesem Moment an konzentriert er seine radikal experimentellen Forschungen auf das „pliage comme méthode“ – Werke, in denen er die gefaltete Leinwand mit Öl- oder Acrylfarbe bedeckte, um farbig leuchtende Zufallsmuster zu erzeugen. 1980 wurde Hantaï mit dem Grand Prix National des Arts Plastiques ausgezeichnet, zwei Jahre später war er Repräsentant seiner Wahlheimat auf der Biennale in Venedig. Mit rund 40 teils monumentalen Schlüsselwerken aus vier Schaffensjahrzehnten gibt die Ausstellung in Baden-Baden einen facettenreichen Überblick über das bildgewaltige Schaffen Hantaïs und präsentiert seinen herausragenden Beitrag zur internationalen Nachkriegsabstraktion als ein sinnlich bewegendes Fest der Farbe. Zu den zahlreichen Leihgebern zur Werkschau gehören unter anderem das Musée d’art contemporain de Bordeaux, die Fondation Gandur pour l’Art, Genève, die Fondation Louis Vuitton, das Musée d’art moderne de Paris sowie das Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne.

Bloom up! ist die erste gemeinsame Ausstellung der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und des Badischen Landesmuseums. Kaum ein Motiv ist so allgegenwärtig, wandelbar und aussagekräftig wie die Blume. Seit Jahrtausenden ist sie als Ornament, Attribut oder Symbol in menschlichen Gesellschaften präsent. Mit Blumen verbinden sich starke Gefühle, lebendige Erinnerungen und wirkmächtige Bilder – geprägt von ihrer Schönheit, ihrem Duft und ihren vielfältigen Bedeutungen. Zeitgenössische künstlerische Positionen begegnen kunst- und kulturhistorischen Objekten aus den Sammlungen des Badischen Landesmuseums. Im Zusammenspiel von Gegenwartskunst und historischen Artefakten verändern florale Motive ihre Bedeutung immer wieder neu: als Symbol politischer Bewegungen, als Ausdruck von Sehnsucht und Widerstand oder als Trägerin persönlicher Erinnerungen. Bloom up! eröffnet neue Perspektiven auf die kulturellen, gesellschaftlichen und persönlichen Bedeutungen der Blume und macht sichtbar, wie eng Kunst, Geschichte und Gegenwart miteinander verwoben sind. Die Ausstellung wird gefördert durch Baden Württemberg, Ministerium für Wirtschaft, Forschung und Kunst. Über die Ausstellung: Kurator*innen Christina Lehnert Christiaan Veldman Kuratorische Assistenz Emely Steiner Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Badischen Landesmuseum, Karlsruhe und der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, gefördert durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Frida: meine Geheimnisse Es ist schon viel über Frida Kahlos Kunst und Leben geschrieben worden, aber ihre Persönlichkeit war so faszinierend und facettenreich, dass es immer noch Geheimnisse zu erzählen und zu zeigen gibt. Diese Ausstellung erzählt genau das, was sie verspricht: Frida Kahlos Geheimnisse. Sie ist die 11. Frida Kahlo-Ausstellung, die das Kunstmsueum in den letzten 13 Jahren in Deutschland und in den USA präsentiert und kuratiert hat. Das Museum zeigt Fotos und Gemälde, die in Europa selten oder nie zuvor zu sehen waren; es wird auch gezeigt, wo Frida tatsächlich ihre letzte Ruhestätte gefunden hat und wer wirklich ihre Freunde waren. Neben selten gesehenen Gemälden zeigt die Ausstellung über 70 Originalkleider aus Mexiko und Schmuckstücke, in der Art wie Frida diese trug, sowie 60 seltene, kostbar handgewebte oder handbestickte Textilstücke aus dem Süden Mexikos. Mit über 100 Frida Kahlo-Repliken, 250 Fotos und 13 Videos kann das tragische und schöne Leben von Frida Kahlo wie nie zuvor erlebt und verstanden werden. In der Tradition des Museums erhalten alle Besucherinnen und Besucher leihweise und kostenfrei einen Katalog - erhältlich in Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch und Russisch - in dem Frida in eigenen Worten die Geschichten und Geheimnisse hinter ihren Gemälden offenbart.

Tauchen Sie ein in die lebendige Welt afrikanischer Kunst – voller Ausdruck, Symbolik und Geschichten, die berühren. Die Dauerausstellung ist das Herzstück des Schellhammer-Museums und vereint außergewöhnliche Kunstwerke aus verschiedenen Regionen Afrikas – mit einem besonderen Schwerpunkt auf den faszinierenden Kulturen des Kongo. Die Werke stammen aus der Sammlung von Günter Schellhammer, dessen Begeisterung für afrikanische Kunst während seiner Zeit im Kongo begann. Mit feinem Gespür und großem Respekt sammelte er über Jahre hinweg außergewöhnliche Objekte, die nicht nur künstlerisch beeindrucken, sondern auch die Lebenswelten, Rituale und Glaubensvorstellungen Afrikas widerspiegeln.

Ivo Puhonný, fantasievoller wie produktiver Ausnahmekünstler, erblickte am 19. Juli 1876 in Baden-Baden das Licht der Welt. Er starb 1940 in Möhringen, heute ein Stuttgarter Stadtbezirk. Anlässlich seines 150. Geburtstages bietet die Kabinettausstellung Einblicke in sein vielseitiges Werk. Zu entdecken sind Künstlergrafiken, Werbeplakate und -anzeigen sowie Arbeiten für das von ihm begründete Marionettentheater. Die Schöpfungen Puhonnýs sind originelle, anschauliche Zeitzeugnisse der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts mit all ihren Einschnitten und Umbrüchen. Die typische Ästhetik und Puhonnýs liebevoller Humor, der vielen Entwürfen innewohnt, faszinieren noch heute.

Highlights aus der Sammlung des Stadtmuseums Baden-Baden 50 herausragende Objekte vom Alltagsgegenstand bis zum Luxusgut, von der römischen Münze bis zum abstrakten Gemälde veranschaulichen die wechselvolle 2000-jährige Geschichte der Stadt Baden-Baden. Zudem bieten sie Einblicke in die Vielfalt der Bestände des Stadtmuseums Baden-Baden, dessen Sammlung im Jahr 1892 begründet wurde. Neben der Präsentation sonst nicht ausgestellter Werke im Anbau des Museums, werden auch Highlights der Dauerausstellung neu kontextualisiert. Den Anlass der Ausstellung bildet das Erscheinen des Auswahlkatalogs „Stadtmuseum Baden-Baden – 2000 Jahre in 50 Objekten“ (Verlag Schnell & Steiner, 19,95 €). Führungen: https://www.baden-baden.com/ve...

Diese Ausstellung zeigt, was die Great Spa Towns of Europe miteinander verbindet und welche Rolle die Musik in diesem einzigartigen Netzwerk spielt. Sie führt zu prägenden Orten des musikalischen Lebens in Baden-Baden und macht die Spuren bedeutender Komponistinnen und Komponisten erlebbar. Sie entdecken, wie Musik und Architektur als verbindende Kräfte Menschen über Räume und Zeiten hinweg zusammenführen. Werden Sie selbst Teil dieses Netzwerks, indem Sie mit dem SoundLab einen persönlichen musikalischen Gruß aus Baden-Baden in die Welt senden. So entsteht ein lebendiger Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen materiellem und immateriellem Erbe. Die Welterbe-Stadt Baden-Baden strahlt über Europa hinaus: als Ort, an dem Geschichte klingt und Gegenwart gestaltet wird – als internationaler Kulturort und als Musikstadt von besonderer Ausstrahlung.

Ab dem 3. März 2026 widmet sich das Schellhammer-Museum einem außergewöhnlichen Kapitel der Kunst- und Kulturgeschichte: der jahrhundertealten Tradition der Schnitzkunst aus dem sogenannten „weißen Gold“. In Afrika wie auch in Asien entstanden aus diesem kostbaren Material kunstvolle Arbeiten von beeindruckender Detailtiefe – von rituellen Objekten über Ahnenfiguren bis hin zu fein gearbeiteten Reliefs und Miniaturen höfischer Kunst. Die Ausstellung vereint ausgewählte Werke aus beiden Kulturkreisen und eröffnet einen differenzierten Blick auf die handwerkliche Meisterschaft, die kulturelle Bedeutung und die historischen Zusammenhänge dieser Kunstform. Im Mittelpunkt steht dabei nicht nur die ästhetische Ausdruckskraft der Exponate, sondern auch ihre kulturelle Einbettung sowie der bewusste und reflektierte Umgang mit diesem traditionsreichen und heute sensibel betrachteten Material. Wir laden Sie ein, die faszinierende Welt des „weißen Goldes“ zu entdecken – zwischen Spiritualität, Symbolik und außergewöhnlicher Präzision. Zuwendungen von Elfenbein-Objekten Aus Elfenbein vor dem 03.03.1947 hergestellte Schnitzereien oder andere Gegenstände dürfen heute nicht mehr veräußert werden. Häufig werden solche Objekte vererbt oder innerhalb der Familie weitergegeben. Wenn kein persönlicher Bezug mehr besteht, stellt sich oft die Frage: Was soll mit dem Objekt geschehen? Unser Museum bietet eine verantwortungsvolle Alternative. Wir bewahren diese Stücke, behandeln sie mit dem gebotenen Respekt und machen sie für Besucher zugänglich.